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摘 要：西方音承是文化舶来品,尽管有许多前辈总结的教学经验和成果,有现成音像制品可以辅助教学,但这些都是间接的.只有结合创作背景进行教学,才能让学生们对作曲蒙和作品有一个文化和历史上的宏观了解,从而对作品的思想内涵有更好的把握,目前,各音乐学院在教学中依据的基本都是书面材料,而这些书面材料,因为治学和素材来源的限制,矛盾和谬误之处在所难免.笔者在意大利求学半年,经参观教堂等文化遗址,并阅读文化和艺术史等相关书籍,尤其是德国学者斯宾格勒的一句名言：西方文化是人与神对应的产物,使笔者茅塞顿开,在此,把音乐理解提升到以西方文化母题两个的其中一个一一关于结构观念的高度做一试论,论据部分采用横向比较、描述和分析,借以希望对拳来音乐教学有所帮助.
关 键 词：西方音乐 教学 音乐理解 结构观念
[中图分类号]：C42[文献标识码]：A [文章编号]：1002-2139(2010)-12-0121-02
一
近代西方文化源头在希腊,古代希腊和罗马给了整个西方世界结构意识,这已经是定论了.最直观的文化成果莫过于建筑,而大多建筑都用于宗教目的.如果说古希腊建筑是西方第一时期有形艺术的话,那么后面的罗马、哥特等等都是源自于此.人常说建筑是凝固的音乐,建筑作为直观的文化表达,其结构可以对应上同时期无形的艺术门类.还以希腊为例,典型的希腊式建筑是立柱、过梁和立面上的三角墙,三角墙中间是英雄和神话故事的浮雕.而古代希腊戏剧是由唱队、主要人物构成.如果说立柱对应主要人物,那么横梁就该是唱队了,而三角墙代表戏剧冲突,其内容大多是人神之争、人抗争命运、爱、权力、阴谋以及生与死,希腊的戏剧是这样,而经典的西方大歌剧不也是如此吗
从以上例子引申,耐人寻味的是,各个主要建筑流派都能对应音乐上的历史分野,如果说建筑是固态音乐的话,那么音乐就该是流动的建筑了.
以下我们从中世纪.即哥特时代开始逐一对应阐述.
哥特建筑始于12世纪的法国,主要见于天主教堂,也影响到世俗建筑,尤以巴黎圣母院为代表,其中最为典型的结构是肋状拱、尖券、扶壁系统、高侧窗和尖塔.到了文艺复兴时代,艺术家有明显的复古倾向,因此批评这种建筑怪异、野蛮,像摧毁了古罗马帝国的哥特人兴建的似的.由此这个名字流传下来.这是西方建筑史上非常重要的历史时期.哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就,在建筑史上占有重要地位.而这一时期的音乐也有着明显的“哥特”风格.比如所谓的教会调式(churchmodes),或格里高利圣咏调式.它之所以具有超凡脱俗般的声音,部分源自乐曲采用了一些人们不熟悉的音节,另外,节奏是不确定的.这种音乐配合哥特风格的建筑氛围可以说珠联壁合,加上歌词非常简单,给人一种净化、升腾的身心感受.记得在音乐
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文艺复兴是一个伟大的文化时期,这一时期的建筑从结构方面呈现出明显的复古倾向,例如佛罗伦萨的圣母百花教堂,它的立面是一种典型的罗马形制的变种,但是从装饰方面,这个教堂采用的彩色大理石(白色、墨绿和紫色)贴面,整体看上去是对哥特以及以前的天主教那冷冰冰单色建筑装饰的反动.彩色或可以说是对人的回归的喻示.而这一时期的音乐尽管跟中世纪相同,即声乐比器乐重要,但是“文艺复兴时期的人文学者对语言的兴趣以一种新的方式影响着声乐,因此歌词与音乐之间产生了一种特殊的亲密关系.”一位16世纪的音乐理论家约瑟夫,扎礼诺这样写遒：“当歌词表达出哭泣、痛苦、心碎、悲叹、落泪或类似情况时,和声必定充满哀愁.”“与之相比,中世纪作曲家在表达歌词的情感方面的兴趣相对较少.”另外,非常重要的一点,意大利的歌剧起源于这个时期.
“巴洛克”是指自17世纪初直至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格.该词来源于葡萄牙语barroco,就其字面意思,是指一种不规则的珍珠.文艺复兴时期的人文主义作家用这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品.巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统,但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范,追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界.在建筑、雕塑和绘画上,强调的是动感、戏剧性片段、富丽堂皇的整体氛围.
按照《剑桥艺术史》的说法,巴洛克风格代表的是信仰的复归和胜利.巴洛克时期的艺术家师承的是晚年米开朗基罗,尤以罗马城内的凡提冈的西斯廷小教堂壁画《最后审判》为例,在米开朗基罗笔下的耶稣,一反以往苍白消瘦、一副受难的形象,而是健壮、气势逼人的最高审判者的姿态,他的动作也相当富有戏剧性.巴洛克艺术家们由此获得无上灵感.于是以罗马为中心,演绎了一出动人心魄的艺术盛会.
了解这一时期的艺术,莫过于参观世界第一天主教堂――凡提冈的圣彼得大教堂,这个教堂无论外部结构还是内部装饰都是最典型的巴洛克风格.门口两位使徒一圣彼得和圣保罗的雕像威风凛凛,手持钥匙和剑,似乎要随时进行裁决和护卫；宏伟的圆形广场,按照设计者贝尼尼的解释：“仿佛母亲的臂膀.”巨大的柱廊,布满雕塑的青铜大门,内部彩色大理石地面,一系列夸张动感的雕塑等等.最为引人注目的是祭坛上方标示圣彼得座椅、象征圣灵的鸽子,四周一片金光,被称作贝尼尼的华盖算是极致了,四根螺旋形大柱子支撑的华盖,这四根柱子精雕细刻的纹理,让人不由得联想到同一时期的音乐,仿佛几条交织的旋律线不断升上去,其中的变化可谓有序中孕育着无穷.
巴洛克时期的音乐(1600――1750年)是音符组成的这种动态的雕塑,小到一首赋格曲,大到如巴赫的《马太受难曲》或亨德尔的《弥赛亚》这样的神剧皆是如此.从音乐技术上看,巴洛克时期的音乐在表现动态和戏剧性方面主要体现在对比上：音的高与低；速度的快与慢(快与慢的段落对比或快慢声部间的对比)；力度的强与弱；音色的不同；独奏(唱)与全奏(合唱)等等.这个时期的音乐大多整齐优美,充满活力.活跃而不断反复的节奏、精致且装饰音很多的旋律也是其重要特征.乐句长度不一,气息较长,无论是声乐还是器乐,旋律都空前地华丽复杂,有相当多的装饰音和模进音型.
巴洛克是个伟大的音乐时期,西方近代的主要音乐元素由这一时期奠定,因此音乐史把巴赫成为“音乐之父”,而把亨德尔称作“音乐之母”如果把他们有形无形的艺术统合起来总结一句话,这个时期的艺术家的目的就是“希望创造出一个结构化的世界.”
洛可可(rococo)一词源自法语rocaille,意为贝壳制品.形象地说,巴洛克过渡到洛可可如同大树变成盆景.巴洛克艺术尽管有呆板的礼仪,有形式上的骄矜和夸张,但它毕竟是一个阳刚的时期.而紧随其后的时期,即洛可可艺术,是大约自路易十四1715年逝世时开始的,则显得更为讲究,更为矫饰,更为呆板,因而也更为柔弱可以认为,这个时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器使用的普及.原先,人们一直是用笨重的银制餐具饮食,用大块的石头创作巨大的雕塑,而现在则是用易碎的瓷器来做餐具,也制作小巧玲珑的瓷塑像,从而反映了这个风流时期的精神.在发生原理上,按
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