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音乐教育相关论文例文,与音乐教育的身体化实践相关毕业论文格式范文
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先,音乐律动最本质的目的是结合身体有意识的动作和听觉意识,将音乐中所有的信息视觉化,这种表达将紧紧围绕音乐的结构、音色、旋律起伏的变化而进行,然后在身体动作中表现出对音乐元素的解析和情感的体验.另一方面,律动教学对于参与者的身体条件、动作能力并没有严格的要求,只要学习者通过肢体运动,解放心里和生理的拘束,将自己投入音乐的体验和表达过程即可.但是,问题的关键就在于,每个人如何运用自己的身体去进行不同的律动表达.其次,个体音乐律动的多元性和即兴性为每个人的个性表达提供了更大的空间和可能性.
律动并非无规则的身体行为,而是在有意识地控制下将身体的动作组合,归纳为自然的有情感内涵的律动.这就要求学生在学习的过程中必须积累一定的动作行为方式,学习控制和调整自己的动作,完全放松的进入音乐的感悟中.适当的身体动作对应一定的音乐元素构成,因此,对于身体的解放和肢体动作的发掘与探索需要教师在律动教学与研究中进行合理的安排和设计.
美国当代哲学家舒斯特曼,在对艺术和身体感受之间关系的更深层次的探讨中总结到：“审美感知必然总是通过各种身体感官而获得的,并且,它可能正在引发一种更加身体化的、肉体化的艺术运用.换句话说,我们可以更多地关注包含在艺术感知过程中的身体审美感受,从而使我们的艺术鉴赏更为敏锐等”,并且“更好的身体审美意识和训练能够在总体上改善我们的感知能力,因为他能够使我们更好地控制我们的感知感官.”舒斯特曼的论断无疑是中肯而准确的,在音乐律动教学过程中,应该始终提倡和鼓励每个人有自己的动作语汇,而不是单纯的模仿.经过不断积累和训练,当听到音乐随即用身体表现出来时,每个人动作的呈现必然具有极大的多样性和即兴性.
第三,律动教学是节奏感知节奏与音高训练的完美结合.节奏和音高是音乐构成的两轴,其他音乐元素都在这两轴的基础上向外向上延伸.对节奏进行感知是每个人与生俱来的能力,而对音高的训练却带有强烈的文化因素,相比之下,以节奏训练作为音乐学习的切入点可以非常好地解决学习者在学习过程中的各种不适,并且有利于学习者整合各种音乐元素.早在上世纪,达尔克罗兹就尝试利用身体的律动与节奏相结合的方式来进行节奏的训练,拍手、口哨、响指等等都可以作为节奏训练的素材.发展至今,这种律动教学方法出现了两个分支,一个称为Bodypercussion（身体打击乐）,即利用身体各个部位不同的音乐效果结合节奏型,加以灵巧的的身体姿势变化形成极具听觉和视觉冲击的形式；一个称为Vocalpercussion（嗓音打击乐）,即通过嗓音的变化而发出不用音响节奏的方式.在目前的高校公共艺术教育中,采用灵活的律动教学方式,将身体打击乐和嗓音打击乐作为欣赏之外的重要教学内容,具有非常重要的意义.作为音乐教学方法进行体验的音乐律动也将变得更为活泼和生动.
经过近几年来对音乐律动教学的实践和探索,笔者发现在这一领域的研究中还有很大的空间和可能性,但在实际的操作过程中还有很多的困难和不足,比如：对上课人数以及教室空间的要求,因为学生和老师都要动起来,所以传统的教室并不能满足我们的需求；第二,对教师本身的素质要求非常之高,一个好的律动老师不是一个指挥者,而是一个引导者,甚至是跟随者,观察学生的特点,然后给予最合适的引导与教育；第三,我们国家长期以来的应试教育导致学生对于情商的培养不足,上课时自愿投入配合教学和大胆探索身体动作可能性的的意愿也各有差异,为教学也带来了一定的困难.但是,从另一个层面去理解,这些问题的存在恰恰为我们今后的研究与实践提供了更大的空间.
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（责任编辑刘小红）
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