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绘画艺术方面有关毕业论文的格式范文,与艺术思维相关论文范文例文
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生存的反思.随着艺术本身和时代的发展,艺术家已不满足于实现柏拉图式的纯粹理念,艺术创作中对形上问题的思考逐渐凸显,并成为了现代绘画中的主题.这时绘画中的意义表现出主体的思索力、反思性与超越性,艺术家试图让自己的作品唤醒观众,并因其内含的价值成为永恒的存在.德国表现主义画家爱米尔·诺尔德在信中表达对自己画作的期许：它不是偶然性的美丽的消遣等它感动人,提高人,给予观赏者一种生活与人性存在的丰满的音调,我画和描,试图从原始本质抓住一些东西.此时的意义更多具有生存论的含义,画家在无尽的可能中创造现实,也规定现实.面对人类的种种生存危机与社会问题,艺术家的使命不是如社会学者那样寻求确切的解决之道,而是要探索使艺术品能够呈现被观者领悟某种意义的可能方式.海德格尔指出,“意义是某某东西的可领悟性的栖身之所,在领会着的展开活动中可以加以勾连的东西.”在绘画艺术中,主体精神的领悟与世界相勾连,展开了无限的可能性.女权主义、自由主义,荒诞主义,以及诸如此类对常规逻辑与现实的反叛,并立在近代以来的画作之中,展现繁多的意义世界.2.作为核心的形式化思维
将艺术思维归结于形式,体现了艺术的真正内涵.在西方,“艺术”一词源于古拉丁文中的“art”,原意就是相对于自然造化的“人工技艺”,而后,艺术随着绘画与雕塑的逐步成熟,体现的意义与价值超越了纯粹的制造,但无论是音乐、文学还是戏剧,创作艺术品的过程却依然不能脱离某种人工“制造”的实质.因此,在艺术创作的过程中,如何运用“技术”更好地完成最终的审美对象,是所有艺术家都必须遵循和思考的.这种“制造”与创作的“技术”,体现了艺术的形式,它的元素互相综合,自成具有规律性的体系,更需要不断地学习、运用和改进.中国美术学院的教授蒋跃在《绘画形式语言》一书中指出,美术课的学习过程与其他学科一样,也是非常理性的,是学习、探寻规则和规律的过程.忠于其产生过程来考察绘画活动,就会发现绘画的最初经验与形式化思维紧密相连.每一位绘画艺术的追求者都要从形式语言起步,这种以形式语言为基础思考方式正是艺术思维的核心.在绘画艺术中,形式具有广泛的含义,它并不仅指绘画的“同质性结构”,而是一切可以应用于绘画中的客观要素和用以表达意义的艺术语言,它包括绘画的媒介（绘画材料）,画中的具象与造型元素（线条、色彩,色调,肌理与构图等）,还有绘画中的手段,方法和笔触（透视法,明暗交界线的运用）.艺术思维,则是以这些形式为基础的思考过程,艺术家在构想和创作的过程中将具体的形式在头脑中加以联结,整合,探求形成组合的基本方式和原则,以此来实现和表达艺术家所需要的意义效果,并在个体差异性的影响和不断地实践探索中形成了各自的形式体系.
表现与创造是绘画的两种类型.画家或者试图表现触动自己的现实,或者因不满足现实而想象创造一个新的世界.前者直接描画和组合具象（写生类）,后者则现实中抽取造型（非写生类）,前者表现感受与情绪,后者则可以直接地体现画家抽象的思维能力.写生类画家大多追求“真实的意义”.与意义的内涵相对应,他们的形式化思维同样包含两个层面：客体的真实与内心的真实.对于一副绘画作品来说,对空间构造的严格遵循满足了现实中基本的架构形式.由此,透视法中点、线、面、体的法则被引入绘画的手段,菲拉列特（意大利雕塑家,建筑家）强调说,透视法是真正的完美的方法,没有它,你就不能在绘画上顺利地工作.我们也看到达芬奇对艺术科学性的论证和他本人对透视、人体比例及绘画原则的遵循.“切忌用明显的线条把各部分截然分开等视点的高度应该和常人的眼睛在同一个水平线上,大地和地平线接触的那一条线的高度应该与平地和天空交界的一端的高度相当等”类似的理论反映了当时科学思维对艺术的渗入,彼时的画家以旁观者的姿态观察事物,承担忠实记录世界的艺术责任,运用素描与写生,反复地描摹现实并练习技法,严格遵守绘画的“科学准则”,达到对点、线、面与构图等细致入微的掌握,以此产生画作中的逼真效果.
就第二个层面来说,新印象派画家算是追求内心真实的代表,作为写生类的画家,他们从自然中汲取灵感,但这时的自然并非物体性的客观构造,而是需要情感进入的生活空间.画家追求脱离现实之真,进入依照内心真实感受的创造层面.依照梵高的说法,艺术,就是人被加到自然里去,具备着一层艺术家在那里面表达出来的意义.对这些画家来说,现实中的任意场景,在特定光线和空间的渲染下,都能在他们心中唤起某种意识.他们将这意识通过色调值的调和反映出来,形成各自的形式体系.这些形式大多围绕着色彩、线条和构图的和谐,每个形式体系中都体现着主体各自的偏好,成为画家作画时思考的基点.画家在现实中寻找和保存色彩,在作品中则利用色彩的变化表现光线、运动与生活的热情,并寓予画面某种暗示和隐喻.在梵高的形式体系里,色彩占据极其重要的地位,创作《夜咖啡馆》时,他用红与绿来表现人类的疯狂和火热的地狱气氛.在为朋友画像的时候,为了表达自己的赞叹和爱,他把夸张而明亮的黄色调用在画像的头发颜色中.可见,画作中对色彩等形式的运用,既可以成为生活的譬喻,也用以表现作者的真实情感.
对于非写生类的创造性画家,他们所作的更多是从现实中抽取某一造型元素,运用在画作中.抽象不是脱离现实,而恰是对现实中触动画家观念的某一原始元素的敏锐抓取.在表现型画家的画作中可以找到现实的具象,而创造性画作中的造型可以是任何形式,瑞安格里斯代表抽象派的画家说,“艺术家们曾经相信用美的模特或美的题材可以达到诗意的目标,我们却认为用美的各种元素更好地达到.”绘画艺术发展至此,绘画追寻的早已不是真实和协调的美感,而是反映人类境遇的生存意义和本质意义.在创作类画家的形式体系中,线条和造型等元素既可以表达生命的力量,也可以是反抗现世的手段.意大利未来派的画家善用线条的变化表现平衡与速度,他们的创作正是基于对线条、角与面的巧妙运用.“我们的画中非逻辑性的线条、点块与色彩,是我们画幅的秘密的钥匙”.对于瓦西里康定斯基来说,他的艺术追寻着“神性”和事物“内在的秘密心灵”,在《点线面》一书中,他力图揭示颜色,点,线,画面以及相互组合形成的表现效果对他创作动力与某种精神的本质的原始推动作用.他举例说明一个具有黄色特点的激烈锐角到钝角的变化带来的情感震动,以及画面线条与颜色的组合产生的特定的影响力.对于康定斯基来说,绘画科学就是对现有形式的充分运用与对新的形式的寻找,每个画家选择和他心灵亲近的形式,并以此表白自己的精神世界.艺术中愈发年轻的一代,作品中体现的形而上的意义就愈显著,近现代的绘画中的怪诞、反叛与审丑风格,展现了更多值得深思的生存意义,超现实主义画家达利充满生存恐惧与死亡气息的《内战的预感》,表现派画家蒙克的“生命组画”,各自用象征和隐喻的手法,通过线条的极端扭曲,人体荒诞的变形以及沉郁的色彩,异曲同工地分别揭示对战争和人类“世纪末”的忧虑与恐惧,这种逻辑断裂和脱离现实的表现形式,正体现画家对生存现状的反应与逃离现世的欲望.现代画派画家吉安巴赞代表年轻一代表明：绘画不是一种手段,而是要给予生活一个形式和一个意义.
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至此,画家们以形式为基础的思考方式揭示了艺术思维的本质过程：艺术的实质是一种表现,这种表现的冲动或是来自现实,或者来自内心.现存的事物总是以某种方式触动敏感的艺术家,艺术家感受到模糊的原始震动,产生最初的创作热切,于是他们选择艺术的方式表达感受和冲动,在艺术创作的过程中,一个终极性的模糊意义始终牵引着表达的方向,他们以色彩、线条、构图与其他一切形式为基础,不断修改、探索,以形成统一的形式体系,来满足在创作前想要表达的冲动,符合想要呈现的意义.不到作品完成的最后一刻,艺术家便不会彻底明晰自己想表达的东西,只能不断尝试变化形式的组合,探索更好的表现效果.
四、艺术思维主体：在规律与超越之间
艺术创作是一种复杂多样的实践活动,同时具有思维的规律性与创作主体的对思维规则的超越性,它的规律性体表现为创作中的形式化过程,而超越性则源于在思维主体的个性与差异.现象学美学的主张体现了对主体超越性的侧重,他们认为,艺术创作是一种前反思的活动,艺术家没有一个特定的思维模式,而是随着行为本身的变化而不断地调整与改变.依照梅洛庞蒂的说法,绘画是身体的实践行为,作为“我”与世界之间的媒介,身体为我们提供了知觉的可能.而艺术,作为意向性活动的结果,超出了精神实体与物质实体的分立,进入到具有关系属性和意义属性的价值论与存在论的范畴.现象美学的观点的积极意义在于对美学实体论的突破,它不再以主客二分的角度来看待艺术创作,而把艺术创作的过程看成主体的实践,强调了相互对等的审美关系,突显了艺术的价值.其中,意向性理论是其研究艺术的方法论,这种以情感特质为主导的方法论确保了艺术创作的自由与开敞,从而在某种程度上也拒斥了艺术思维的模式化.规范性的艺术思维难以说明一个艺术家选择某个主题,或是引入某种元素作为具象的原因,而艺术主体对特定元素的偏好是艺术创作的重要部分,正是这些具象的选择导致了艺术世界的多样.本文对艺术思维的探讨,在揭示艺术创作规律性的同时,也不否认思维是主体情感所赋予的恰当的艺术形式,将情感融入到艺术中,就是艺术思维完成的方式.
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